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Pourquoi il est important de se rappeler qu’Andy Warhol était la classe ouvrière

Écrit par Ananda Pellerin, CNNLondres

De Marilyn Monroe à Muhammad Ali, les portraits d’Andy Warhol des riches et des célèbres font partie des œuvres les plus reconnaissables de l’art américain du XXe siècle.

Considéré comme un leader du mouvement Pop Art, Warhol était également connu pour se mêler aux célébrités. Salvador Dalí, Bob Dylan, Grace Jones et David Bowie étaient associés à lui et à sa célèbre Factory, le studio aux lignes argentées où faisaient la fête des créatifs de tous genres et de toutes sexualités.

Mais au-delà du glamour du centre-ville, les débuts ouvriers de Warhol ont eu une profonde influence sur son art et ses perspectives, un fait qui est exploré dans une exposition récemment rouverte, «Andy Warhol», à la Tate Modern de Londres.

Le succès de Warhol en tant qu’artiste est souvent attribué à sa capacité à apporter des motifs publicitaires – bouteilles de soda, boîtes Brillo, visages de célébrités – dans le monde des galeries. Et sur l’affichage sont certaines de ses œuvres les plus célèbres mettant en vedette des produits de consommation, y compris les peintures «Bouteilles de Coca-Cola vertes» et «100 boîtes de soupe Campbell», toutes deux réalisées en 1962.

«100 boîtes de soupe Campbell», 1962, par Andy Warhol. Crédit: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Agréé par DACS / Tate

Mais, comme pour de nombreuses publicités conçues pour susciter le désir, il y avait plus à expliquer pourquoi Warhol avait choisi de représenter un sujet apparemment banal. Cette exposition jette un nouvel éclairage sur la façon dont une enfance passée dans la pauvreté a façonné sa perception du monde de plus en plus saturé de médias qui l’entoure – montrant de manière convaincante qu’une refonte de l’héritage de l’artiste imposant se fait attendre.

“C’est un gars dont la forme de soupe en grandissant était du sel et du poivre avec un peu de ketchup. Je ne pense pas qu’il a grandi avec le luxe de la soupe Campbell”, a déclaré le co-commissaire de l’émission Gregor Muir au téléphone. “J’ai commencé à réaliser à quel point l’histoire de Warhol est une histoire d’immigrants.”

Racines d’acier

Né Andrew Warhola de pauvres immigrants slovaques dans la ville sidérurgique de Pittsburgh en 1928, les chances de Warhol de réussir dans le monde de l’art étaient minces. Comme plusieurs des personnages célèbres qu’il a représentés – Monroe, Ali et Elvis Presley – il a enduré des années de précarité avant d’atteindre le statut de superstar.

À l’époque de Warhol, devenir un bon artiste était plus facile pour certains, avec des «étudiants blancs hétéros plus riches», bénéficiant d’un «avantage profond» sur les autres, a déclaré l’historien de l’art Anthony E. Grudin, auteur de «Warhol’s Working Class», un livre de 2017 qui explore en profondeur de nombreux thèmes abordés par l’exposition Tate.

“Pensez riche. Ayez l’air pauvre.”

Andy Warhol

Et tandis que Warhol avait l’avantage d’être blanc et masculin, Grudin a souligné lors d’une série de courriels et d’appels téléphoniques avec CNN que son «style queer prononcé et son origine visiblement« ethnique »atténuaient (ces avantages). Selon les calculs du sociologue Richard Sennett, Grudin a déclaré qu’au milieu du siècle en Amérique, moins de 1% des hommes «élevés par des ouvriers manuels» deviendraient des «professionnels indépendants» – et devenir un bon artiste était encore plus rare.

Ces chances ont sans doute été augmentées par le fait que dès leur plus jeune âge, le père ouvrier du bâtiment de Warshol et la mère brodeuse soutenaient les talents du jeune artiste. Il s’est spécialisé en design pictural au Carnegie Institute of Technology et s’est forgé une carrière réussie en tant qu’artiste commercial, déménageant à New York, supprimant le “ a ” de son nom de famille et concevant des publicités pour des entreprises allant de Tiffany & Co. à Mobilgas.

Mais il avait ses vues sur le monde des beaux-arts – et pour faire sensation, il avait besoin de développer un style unique.

Tout est de l’art

Avant Warhol, les objets courants n’étaient pas considérés comme assez bons pour l’art, a déclaré Grudin. Mais pour l’artiste, «tout peut être de l’art, pour n’importe qui, sur n’importe quoi». Et ce monde visuel était directement lié à son arrière-plan. Les biens de consommation, les photos de tabloïd et les visages hollywoodiens sont une «iconographie codée par la classe ouvrière qui est souvent interprétée à tort comme étant génériquement« américaine »».

Vers le milieu des années 1950, les annonceurs ont commencé à cibler les produits de marque sur les consommateurs de la classe ouvrière, “leur promettant d’accéder à un monde de mobilité sociale, où les classes fixes étaient dépassées et le statut était aussi facile à atteindre qu’une boîte de soupe …” Grudin écrit dans “Warhol’s Working Class”.

«Marilyn Diptych», 1962, par Andy Warhol. Crédit: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Agréé par DACS / Tate

Reproduire ces produits de consommation ambitieux dans son travail signifiait que des personnes extérieures au monde de l’art pouvaient immédiatement se connecter aux images de Warhol. Et bien que Warhol ne fût pas un fervent partisan d’un mouvement ouvrier, Grudin dit que c’était quelque chose que l’artiste avait fait intentionnellement.

Il «poursuivait un art véritablement universel et égalitaire qui pouvait reproduire n’importe quoi (aussi dégradé ou« vulgaire ») à n’importe qui (aussi défavorisé soit-il), en utilisant tous les moyens et styles (peu importe qu’ils soient communs ou mécaniques)». Le médium que l’artiste a popularisé va dans ce sens: la sérigraphie est une forme d’art peu coûteuse et accessible.

Malgré son statut de pionnier du Pop Art, Warhol n’était pas fan du terme, affirme Muir, qui avait ses racines dans la scène artistique britannique. Au lieu de cela, il a préféré le «communisme» portmanteaux, fusionnant «commun» avec «communiste» et faisant référence à la démocratisation de l’art, écrit Muir dans le catalogue de l’exposition.

Pendant ce temps, pour les classes les plus aisées, le travail de Warhol offrait l’opportunité de «faire des ravages culturels», a déclaré Grudin. «C’est l’équivalent culturel de porter un jean bleu pour déguiser le pouvoir … Embrasser une voix de la classe ouvrière et prétendre qu’elle est la voix de« l’Amérique ».»

«Bouteilles vertes de Coca-Cola», 1962, par Andy Warhol. Crédit: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Agréé par DACS / Tate

Warhol lui-même semblait incarner la tension entre l’aspiration et la richesse. S’il avait la réputation d’être analphabète, il pouvait en fait citer Shakespeare, et avait une fois un abonnement à l’opéra. Grudin note qu’en façonnant sa personnalité publique, il “prétendait ne se soucier que du bubblegum, de la télévision, des films et des disques pop. Il pouvait projeter une sensibilité de classe différente basée sur ce qu’il pensait, ce qu’il aimait, comment il se comportait.”

Même la façon dont Warhol s’habillait parfois, en vestes de costume et en jeans (un look qu’il prétend avoir popularisé) indiquait une fusion de deux mondes, haut et bas. Ou, comme il l’a dit: “Pensez riche. Ayez l’air pauvre.”

Pourquoi oublié?

Mais si l’œuvre et la personnalité de Warhol étaient saturées de références à la culture ouvrière, pourquoi cet aspect de sa vie est-il rarement mis au premier plan?

«La dissimulation est presque un mouvement de carrière de Warhol», a déclaré Muir, faisant référence à la réputation de l’artiste pour fabriquer des histoires et éluder les vérités. “Je pense qu’il aurait été très réticent à en parler toute sa vie.”

Mais alors que Muir croit que Warhol a délibérément caché son éducation, Grudin ne pense pas que cette interprétation soit vraie. «Bien qu’il ait souvent menti sur ses antécédents – l’année de sa naissance, ce que son père faisait dans la vie, l’endroit où il était né – il n’a pas, à ma connaissance, prétendu que ses antécédents étaient plus avantagés qu’ils ne l’étaient.

“Andy portait son héritage paysan comme un insigne d’honneur”

Betty Asche Douglas, camarade de classe de Warhol

“Certainement, il était un grimpeur social,” continua Grudin. «Mais quand il a parlé de ses antécédents, il a été assez clair … que son père était un ouvrier qui est mort des difficultés de son travail, qu’il a été élevé dans la pauvreté et que sa mère a vendu des œuvres d’art en conserve à la porte- à porte. ”

Citant Betty Asche Douglas, l’une des camarades de classe de Warhol à Carnegie Tech, il a ajouté: “Andy portait son héritage paysan comme un insigne d’honneur.” “

Les vraies raisons de brosser le fond de Warhol sous le tapis pourraient être doubles. Premièrement, comme Muir l’a suggéré, “en termes de monde commercial, ce n’est pas considéré comme un argument de vente”.

“Mesdames et messieurs (Iris)” 1975, est l’un des nombreux portraits que Warhol a peints de femmes trans. Crédit: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Agréé par DACS / Tate

Les médias aussi étaient «parfaitement conscients de la façon dont ils pouvaient éditer Andy», a-t-il dit, mentionnant une interview des années 1960 dans laquelle toute référence à l’identité queer faite par Warhol avait été supprimée avant d’être imprimée. Il a ajouté qu’au fil des ans, une image de Warhol en tant que “robot asexué” s’est imposée.

Dans le même temps, selon Grudin, les Américains étaient de plus en plus encouragés à ne pas parler ou penser à la classe d’une manière critique, en partie par les annonceurs qui avaient plus à gagner à convaincre les gens que l’achat des bons produits les aiderait à réussir. Les effets de traiter «classe» comme un mot sale se poursuivent encore aujourd’hui.

“Les Américains détestent parler de classe – c’est choquant”, a déclaré Grudin. “C’est un sujet très inconfortable ici et un sujet qui est souvent censuré (et) traité comme obsolète.”

Blanchiment à la chaux Warhol

La publicité à la mi-temps du Super Bowl de Burger King en 2019 montrait Warhol mangeant un hamburger à côté du hashtag #EatlikeAndy. Mais cette vision de lui comme une icône entièrement américaine n’est pas facile à avaler.

En effet, l’exposition Tate, qui se déroule jusqu’au 15 novembre, oblige les visiteurs à comprendre le travail de Warhol non seulement en tant qu’enfant de la pauvreté, mais aux intersections de son identité queer et d’immigrant, et comment sa fascination de toujours pour la mort et la religion a influencé ce qu’il a fait. .

“Les Américains détestent parler de classe – c’est choquant.”

Anthony E. Grudin

Sa série multimédia “Death and Disaster” présente des photos horribles de tabloïd – des suicides aux émeutes raciales – tandis que ses portraits intimes de femmes trans sont un disque de personnes vivant en marge. Son énorme tableau de 1986 “Sixty Last Suppers”, de Jésus et de ses disciples, fait allusion à l’éducation de Warhol dans l’Église gréco-catholique ruthène et au fait que même après son déménagement à New York, Warhol assistait régulièrement à la messe.

“Autoportrait”, 1986, par Andy Warhol
Crédit: The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Agréé par DACS / Tate

Muir pense que l’image contrôlée de Warhol commence à peine à s’effondrer au profit d’une vision plus nuancée de sa vie et de son travail. “Nous pouvons commencer à parler de Warhol de manière nouvelle, et d’une manière qui a été largement ignorée à l’époque”, a-t-il déclaré.

Y a-t-il une certaine ironie que ce qui rend l’art de Warhol si relatable – le fait qu’il puise dans ses expériences d’aspiration et de désir – est aussi la partie de sa vie qui a été si régulièrement blanchie à la chaux? “Absolument,” dit Grudin. “C’est profondément ironique, et je pense que le blanchiment est une excellente façon de le décrire.”

“Andy Warhol” est à la Tate Modern jusqu’au 15 novembre 2020. Image du haut: La famille Warhola 1946-47.


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